«Des émotions peuvent aussi surgir face à un bon design»
Mireia Ruiz est une artiste plasticienne qui vit et travaille dans son atelier à Barcelone. Aujourd'hui, il se consacre à sa passion artistique, abordant l'utilisation de la couleur comme outil de communication.
Vous avez étudié le graphisme, mais vous êtes avant tout autodidacte, n’est-ce pas ?
Ma formation est en graphisme, mais j'ai effectivement appris en autodidacte dans divers domaines tels que : la photographie, la scénographie de produits et les beaux-arts. Je me considère comme une personne curieuse et j'aime apprendre de nouvelles techniques et outils pour réaliser mes idées et mes projets. En tant qu'enseignant, je rencontre des étudiants qui sont stressés de vérifier que leur choix d'études a été le bon, comme quelque chose d'immuable, j'essaie de leur donner mon expérience comme exemple. Il est normal et ne devrait pas être effrayant qu'une personne puisse, tout au long de sa vie, changer de métier et en ajouter de nouveaux.
connaissance.
Il enseigne désormais à l'IDEP. À quoi ressemblent les choses de l’autre côté ?
J'observe de nombreuses peurs, principalement une méfiance dans leurs capacités créatives. Je me concentre beaucoup sur le renforcement de cette partie, j'essaie de leur faire voir leurs points forts, pas seulement les points faibles. Et j'insiste sur le fait que c'est une course de fond, l'école, c'est une préparation au monde du travail. J'insiste beaucoup sur les projets personnels pour démontrer ce qu'ils sont capables de créer sans attendre la mission parfaite. Ces résultats inattendus qui proviennent de notre propre inquiétude peuvent attirer des clients séduits par cette fraîcheur et cette constance. La cohérence est essentielle dans le monde créatif, je crois que cette facette est à l'origine de ce que j'ai réalisé dans ma carrière professionnelle.
Pour vous, la couleur est très importante. Parce que?
La couleur est un langage visuel qui affecte l'humeur de la personne qui la perçoit, c'est pourquoi je m'intéresse à l'exploration des différentes gammes chromatiques et à la façon dont les gens réagissent à la couleur. Surtout avec les couleurs les plus saturées, qui exaltent de nombreuses émotions et peuvent vous inquiéter ; Au contraire, les gammes neutres ou analogues se détendent et vous maintiennent dans un environnement plus confortable.
Je me considère comme un enfant des années 80 et l'explosion des couleurs m'a beaucoup marqué, venant du monde de la mode, du graphisme ou du mobilier. Je garde avec tendresse un livre du groupe Memphis, fondé en 1981, réunissant designers, architectes et graphistes milanais réunis autour du grand Ettore Sttsass. Ils ont marqué cette explosion de couleurs vives, unissant des formes et des matériaux inhabituels qui font rêver dans un environnement provocateur et créatif.
Et de manière beaucoup plus particulière et personnelle, la couleur a marqué toute mon enfance, puisque ma mère m'obsédait par les combinaisons dans mes vêtements. J'avais des baskets de presque toutes les couleurs qui correspondaient à certains articles de ma garde-robe. Pour moi, la couleur était un jeu quotidien, et dans mon adolescence il m'est arrivé de m'habiller entièrement en bleu, rouge, rose...
Toutes ces expériences et influences se retrouvent dans mon travail. Le choix chromatique dans mes projets est fondamental, j'y pense généralement beaucoup, et après ce choix je suis fidèle jusqu'à ce qu'ils soient terminés, j'appelle ça "le pacte des couleurs". Je pense que la clé est de ne pas avoir peur de la couleur et de la ressentir, en laissant de côté le sens que notre culture peut lui donner, car elle peut nous conditionner. «N'importe quelle couleur, peu importe à quel point vous la détestez, si vous la pratiquez, vous pouvez finir par l'aimer.» Cette réflexion vient de Josef Albers, une référence dans la pratique de la couleur, qu'il évoque dans son livre 'Color Interaction', et il a raison.
Nous sommes continuellement impliqués dans le design, mais l’art est plus personnel. Pensez-vous que l’art doit toujours susciter des émotions ?
Le design nous aide à communiquer un message, nous aide à trouver des solutions et a une fonction spécifique, il se limite au brief, aux besoins de communication du client et à la compréhension du récepteur, c'est le câble de connexion et il doit fonctionner. D'un autre côté, l'art est structuré en fonction du message de l'artiste, mais contrairement au design, il peut être moins explicite, ce qui le rend beaucoup plus libre. C'est-à-dire qu'il y a un message, mais les moyens de le transmettre peuvent être si discrets que c'est pourquoi nous parlons de « sentiment ». Si l'on y réfléchit, les sentiments sont plus complexes, et peuvent être subjectifs, en même temps l'art peut éveiller des sentiments différents selon le destinataire, et peut même conduire à des réflexions personnelles basées sur le travail de l'artiste. Pour moi, l'art et le design ont un message, mais dans le design c'est plus évident et dans l'art c'est plus intuitif, l'artiste vous laisse une certaine liberté d'interprétation, c'est là que peuvent naître des sentiments ou des émotions. Je pense qu'il ne s'agit pas de laisser les émotions limitées dans le monde de l'art, les émotions peuvent aussi surgir face à un bon design. Mais pour expliquer certaines œuvres d’art, il est plus facile d’en parler avec émotions, surtout si l’on parle d’art abstrait.
C’est un sujet assez complexe, sachant que même si l’art et le design ne sont pas identiques, ils s’interpellent à de nombreuses reprises. Et la liberté dont jouit l’art facilite l’expérimentation de nouveaux langages visuels, ce qui nourrit le monde du design.
S'ils travaillaient davantage main dans la main : l'art, le design, l'ingénierie et la science, de nombreux projets seraient résolus de manière plus créative, fonctionnelle et émotionnelle. Je fais référence à cela car il y a toujours une tendance à séparer les profils professionnels, ce qui est pratiqué au Mit Media Lab dans le Massachusetts.
Dans sa biographie, il dit que sa principale motivation est « de peindre mes œuvres avec de la couleur pour transmettre un message positif et développer un univers parallèle ». À quoi ressemblerait cet univers utopique ?
Un univers utopique serait empathique, bienveillant, respectueux, paisible... toutes ces caractéristiques qui nous rendent bons. Cet endroit est construit dans nos esprits, nous pouvons améliorer le présent et le rapprocher de l’utopie. Bien que la réalité soit si complexe et dure qu'elle est difficile à imaginer, je pense que c'est pourquoi je construis ma propre place à travers mes œuvres. La couleur est l'outil visuel qui transmet cette positivité, née d'une nature propre et authentique, qui m'éloigne de l'obscurité que nous portons à l'intérieur. Nous vivons la souffrance, l’avidité, l’individualisme et toute une série de misères qui nous rendent en même temps humains. Nous sommes le bien et le mal, nous exerçons le bien et le mal, cette lutte des forces a une fin. Je n'ai pas la solution, je ne suis pas un scientifique, je ne suis pas un homme politique, je n'occupe pas de poste notable au sein du conseil d'administration, mais je peux projeter une certaine énergie à travers mon travail.
Son travail est majoritairement pictural, acrylique sur toile, mais aussi sur papier ou bois. Dans quelle mesure les matériaux sont-ils importants ?
La matière est importante car elle est tangible et limitée. J'ai toujours aimé travailler avec la peinture car elle a un pouvoir transformateur. Je peins les objets que je trouve ou sauve et je leur donne une autre chance. Nous avons tendance à jeter beaucoup de matériaux et nous ne pouvons pas nous permettre ce luxe. Une tâche que j'adore est de travailler avec des chutes, des morceaux ou des chutes de bois. Le bois est un matériau noble et fini qui a besoin de temps pour se développer. Ça me fait mal de voir des chaises, des planches, des meubles à la poubelle, alors j'essaye de les collectionner et de les transformer en collages. C'est une manière comme tant d'autres de réutiliser la matière, car contrairement à la toile où j'établis ce que je veux et comment je le veux, avec cet autre procédé ce n'est pas ce que je veux, mais ce que j'ai, ce qui s'offre à moi. moi. Pour cette raison, je ne sais pas à quoi ressemblera le travail au final, cela a un effet de surprise pour moi, je ne décide pas d'une partie du travail, il se construit avec mes décisions mais je ne peux pas le contrôler totalement. . Cela me fait aussi en quelque sorte lutter avec les prémisses de la perfection, de l'absence d'erreur, de l'absence d'expérimentation et de contrôle... ce qui peut être étouffant.
Il a exposé surtout dans des expositions collectives. Pour un artiste, est-il difficile d’exposer son travail individuellement ?
En fait, les propositions que j'ai reçues étaient collectives, et d'un autre côté, je n'ai pas proposé de faire une exposition individuelle. C'est une affaire plus personnelle, je pense par manque de confiance et de temps, puisque j'ai toujours combiné mon côté artistique avec celui du design ou de la photographie, c'est pour cette raison que je n'ai pas pu me concentrer sur la création d'une exposition centrée sur un thème et un ensemble d’œuvres qui l’expriment. La bonne nouvelle est que cette année je veux y parvenir et, si tout se passe bien, à la fin de l'année j'aurai ma deuxième exposition individuelle à Barcelone.
Pensez-vous que l’art n’est pas assez valorisé ? C'est-à-dire au niveau scolaire par exemple... Ou encore au niveau social, certaines manifestations artistiques comme le street art...
Le dessin est le premier outil de communication que nous utilisons lorsque nous sommes enfants, avant le langage. En grandissant, vous avez tendance à valoriser la technique, laissant de côté la liberté et l’expérimentation. C'est pourquoi on entend toujours les gens dire "Je ne sais pas dessiner", je pense qu'il serait plus correct de dire : je n'aime pas ça ou j'aime ça. Académiquement et socialement, ils vous apprennent que si vous ne reproduisez pas bien les proportions ou la lumière, le réalisme notamment, vous n'êtes plus utile. Pour moi, c'est une erreur qui m'a personnellement conditionné, il existe de nombreuses façons de s'exprimer artistiquement.
L'art n'est pas le métier qui a la meilleure réputation, nous connaissons tous la vie misérable de nombreux artistes, connaissant même les carrières réussies de certains des plus célèbres. Quelque chose qui arrive sûrement dans d’autres professions, mais l’art, comme il le souligne, n’a pas la même valeur.
C'est peut-être quelque chose lié à la valeur accordée à la culture, quand on sait que nous avons tous besoin de ressentir, de voir, d'interpréter et d'apprécier l'art. En parlant du street art, qui peut être ennuyeux s'il n'est pas exercé avec autorisation, je pense que si le muralisme était encouragé dans les villes, nous pourrions avoir un musée en plein air, pour tout le monde, il pourrait remplir les rues grises de vie et de réflexion.
Parmi vos clients et collaborations, vous en souvenez-vous en particulier ?
La collaboration dont je me souviens particulièrement est celle que j'ai faite avec la marque australienne Gorman Clothing. Chaque saison, il collabore avec un artiste et à partir de leur travail, il crée une collection limitée. Voir mes peintures passer de l'état assis au mur à l'arrêt, se transformer en imprimés et prendre vie avec la mode, était incroyable. Une expérience dont je suis tombée amoureuse et j'ai continué à collaborer avec d'autres marques de vêtements, c'est une sensation excitante de s'habiller avec son propre art. J'ai pu visiter Melbourne et rencontrer toute l'équipe qui a rendu cela possible, voir les magasins avec mon nom sur les vitrines, je me suis senti très respecté et valorisé. Cette collaboration a ouvert les portes à bien d’autres.
Comment abordez-vous les collaborations ?
Lorsque je travaille pour des collaborations, quel que soit le produit à traiter, tout part de mon travail précédent. Avant de commencer, je dis à mes clients de revoir mon travail, car je m'exprime de différentes manières, et de m'envoyer les œuvres qui les passionnent le plus. Et puis je commence à travailler avec cette base, puis je leur envoie les propositions et ainsi on se rapproche d'un résultat commun. Une partie de mon travail consiste à créer pour montrer ce que je peux faire.
Tous mes projets sont étroitement liés à mon imagination, donc pour moi ce n'est pas très différent de l'appliquer dans n'importe quel format.
Dans l'emballage, l'édition limitée de Torres Brandy Jaime I se démarque, avec un étui basé sur la peinture du fût où vieillit le brandy. Pouvez-vous nous parler de cette collaboration ?
La collaboration pour Torres Brandy a été une commande très intéressante de par son intention et son format. Qu’une marque prestigieuse mette en avant des artistes en activité est une action très gratifiante pour les deux parties. Comme j'aime peindre, dès qu'ils m'ont expliqué que le défi était de peindre un tonneau, j'ai tout de suite été enthousiasmé, et sachant que je ferais partie d'une collection spéciale de nombreux autres artistes, je n'ai pas hésité à rejoindre le projet. .
Pour m'inspirer, j'ai fait une visite guidée de leurs installations et ils m'ont expliqué en détail tout le processus de fabrication du brandy Jaume I, un travail qui demande de la patience et du temps.
La première chose que j'ai vue, ce sont les champs de vignes, la terre et sa texture, les raisins et leurs formes, une fourmi qui a croisé mon chemin... Je fais généralement attention à ce genre de détails. Comme la texture du bois dans le fût, l'eau-de-vie et sa couleur, les reflets dans une bouteille si particulière, avec des courbes et des rebondissements. Mais il y avait quelque chose qui nous unissait surtout, le temps. Pour faire cette eau-de-vie Torres, il faut du temps, de la persévérance et un endroit pour la chouchouter, c'est pour cela que dans mon interprétation apparaît le sablier, l'échelle comme symbole de l'effort et un verrou, un endroit fermé pour sa fabrication. Tous ces éléments, ainsi que les textures et les champs de vignes, sont étroitement liés dans mon travail pour Torres.
Avez-vous réalisé d'autres travaux d'emballage ? Il aimerait?
J'ai récemment collaboré avec la marque américaine Jaime Makeup, pour le packaging de quelques patchs contour des yeux. La proposition était très intéressante car elle concevait le boîtier et le coffret qui l'accompagne. De plus, ils avaient déjà collaboré avec un illustrateur pour d'autres produits et ils respectaient énormément mon style.Pour ma part, j'ai travaillé avec leur gamme de couleurs corporative. Un langage que je comprends, celui des marques et du branding, puisque ma formation de graphiste me permet d'appliquer mon art de manière organique et en adéquation avec la marque.
J'adore établir ce type de collaborations, cela m'enrichit que mon art s'adapte à différents formats, qu'il s'agisse d'emballages, de textiles ou d'une autre proposition. Au final un tableau s'accroche sur un mur, les collaborations permettent de toucher plus de publics et me font sortir de la monotonie.
Quels sont vos prochains projets ?
J'ai un projet que je croise les doigts pour qu'il se réalise, car il me ferait plaisir, mais je ne peux pas encore en parler. Nous venons de commencer l'année et il y a déjà des propositions, mais pour le moment ce sont des collaborations qui ne sont pas fermées. Comme je l'ai mentionné, en attendant, je me concentrerai sur mon exposition individuelle et sur le développement d'un ensemble important d'œuvres pour parler du fait fortuit de la rencontre, non pas entre les personnes, mais entre les personnes et les choses, comment les objets influencent votre environnement.
